l’arte di Betti Renosto.

thanks to:
D&C performing arts in the kitchen

Se chiedete cosa sia l’Inferno a chi vi sta vicino avrete risposte diverse.

Uno studioso potrebbe dirvi che deriva dal latino e che significa “posto in basso”, un rifugiato politico che è la nazione da cui è scappato, uno in attesa di soggiorno che è la burocrazia. Un contadino direbbe che sono i veleni, un uomo che vive in città vi direbbe che sono le ore di punta, in tangenziale.

L’oceano forse vi direbbe che è una marea nera che minaccia il suo ecosistema.


Forse quella marea nera è l’umanità stessa. Distrugge per leggerezza, senza quasi volerlo, solo con la sua presenza. Rende ciò che tocca viscido e viscoso.

Le risorse del pianeta non basteranno a supportare la pachidermica industria ottocentesca che sta regolando le nostre esistenze ed esigenze quotidiane. La tecnologia per fare un “salto” in avanti esiste. Le motivazioni anche, basta guardarsi intorno, leggere i giornali: il nostro sistema di vita economico sta implodendo. Il clima si sta ribellando e la Terra sta cercando di mandarci messaggi come può, scrollandosi ogni tanto.

Navighiamo lungo un fiume. Sta a noi scegliere su quale sponda scendere: essere o non essere? Vita o consumo? Ottocento o futuro?

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SATAN IS MY BROTHER

E’ il nome di un quintetto di Milano che ha esordito sulla lunga distanza nel 2007 con l’album omonimo su Boring Machines. L’opera prima dei Satan is my Brother era un avvolgente mix di free jazz, dark ambient, dub e suggestioni lynchane, pensato come colonna sonora di un instant-movie girato lungo le tangenziali di Milano.
“Abandon all hopes.. ” recitava l’interno delle lussuosissime copertine in cartone extra-dark.
Le suggestioni di carattere infernale non sono un semplice vezzo per la band e su suggerimento di un amico sono iniziati verso la fine del 2009 i lavori per musicare uno dei capolavori del cinema muto italiano: INFERNO del 1911, una delle prime testimonianze cinematografiche italiane.

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opening: LUIGI BONORA Dj Set
closing: PEAKNICK Dj Set

Sabato 15 Maggio 2010 – ore 22.30
ResPira, Boring Machines e Veronika Club presentano:

SATAN IS MY BROTHER
plays l’Inferno (1911, IT)

The Kaycee Olsen Gallery is delighted to announce its Inaugural Exhibition, opening May 22, 2010.

This exhibition marks the exciting arrival of the Kaycee Olsen Gallery to the Culver City Arts District on La Cienega Boulevard, as the newest Los Angeles contemporary art gallery.


Kaycee Olsen Gallery is dedicated to presenting emerging and mid-career artists, with a programming concentration on Los Angeles contemporary artists, and collaborative projects from New York and Europe.

Artists include: Cameron Crone, Roni Feldman, Jesse Finley Reed, Christine Frerichs, Aaron Noble, Josh Peters, Jeff Sheng and Dana Weiser.

The exterior gallery wall will feature “Saladin,” the latest work by painter Aaron Noble, becoming the only existing mural of Noble’s work in Los Angeles, previous works have been featured at the Hammer Museum, and international cities such as Beijing, London, New York and San Francisco.

Contact details:
Kaycee Olsen Gallery
+1.310.837.8945
2685 S. La Cienega Blvd.
Los Angeles CA 90034
info@kayceeolsen.com
www.kayceeolsen.com

Meet the Artist

Take the Art Home

Artwork for sale between 50-5000 euros by 55 Belgian and International Artists.

Conrad Hotel Brussels
71 avenue Louise
Metro Louise
http://www.accessibleartfair.com


New in 2010
Cafe and bar available
Kids Area 5 euros per hour
Art History Lecture 10 euros Saturday 11-12

Il Censimento vuole essere una risorsa per tutto il settore dell’Arte per aumentare indistintamente e liberamente le occasioni di contatto, conoscenza, scambio, interrelazioni tra le varie parti in causa del mondo della cultura.
È dunque interesse di tutti che esso si diffonda più capillarmente possibile, anche grazie al tuo aiuto.

Cliccando qui sotto, potrai compilare liberamente la tua scheda e inserirla automaticamente del database accessibile a tutti con il Censimento dell’Arte del Nordest.

NOTE: Inserisci solo i dati che ritieni possano essere di dominio pubblico e leggi la normativa sulla privacy in calce al modulo.


Compila il modulo e Visualizza il Censimento a questo indirizzo:

http://www.vastagamma.org/Censimento.html

Associazione Vastagamma ti chiede di aiutarci a diffondere questo progetto attraverso la tua rete di conoscenze.

Базарот е од продажен карактер и ќе се оддржи на 17-ти мај од 17:00 до 00:00 часот. Повелете!

www.mmarija.com.mk
www.myspace.com/malatamara

Pier Domenico Magri – Enzo Ratto – Antonio Saporito

Trans-Picture è la dimostrazione della convivenza, nell’Arte Contemporanea italiana, di forme e linguaggi artistici che dall’atavismo pittorico si muovono progressivamente, con portamento disinibito, verso l’adozione di elementi materiali, fisicamente attendibili, ma distanti dal logos coloristico vero e proprio; immutata restando quella “necessità interiore” — sostenuta da Kandinskij — di proiettare nel kosmos visioni spirituali, artisticamente variegate e, adesso, soprattutto mobili… mobili come il pensiero contemporaneo.

Questo ensemble di tre validi maestri — dalla pittura pura, rappresentata da Pierdomenico Magri, at-tra-verso l’approccio alla materia, indotto da Enzo Ratto, alla consacrazione finale del metallo come totalità espressiva, voluta da Antonio Saporito — illustra questo processo di trans-mutazione, le cui origini risalgono ad una trentina di anni fa, estendendosi, poi, nei suoi sviluppi sino ad oggi.

Molti ricordano LA TRANSAVANGUARDIA, movimento fondato nel 1980 da Achille Bonito Oliva, fresco di esperienza nella lunga direzione della Biennale di Venezia. Era un movimento indirizzato ad un fine ben preciso: il recupero della Pittura come mezzo d’espressione unico e irripetibile, come inimitabile forma di Genio; il panorama artistico dell’epoca era sconcertante per gli estimatori della pittura, rilanciandosi tra loro la palla l’oggettualità pop, l’azzeramento minimal e le prime invasioni di campo (le installazioni). Sulla scia della Transavanguardia si tornò a dipingere, ma in Italia non si era mai smesso di dipingere, fatta eccezione per il fatale volgersi del nostro paese verso modi artistici esterofili, quali insistono tuttora nei sistemi museali ufficiali.

Coloro che scelsero di mantenere aperto e vivo il dialogo con l’Arte degli anni Sessanta e Settanta, a sua volta ramo ereditario portante delle avanguardie storiche, non devono, oggi, pentirsene, perché hanno potuto far fluire all’esterno linfa creativa carnosa e duttile; vivendo, infatti, uno status culturale di natura mistilinea, sospesi tra la necessità di conservazione dell’atto pittorico e l’imput di innovazione nella ricerca di nuove espressività e nuovi materiali, sono riusciti a creare, come dimostriamo in questa sintesi espositiva, una realtà trans-eunte, inafferrabile nei suoi incerti confini e nella sua sfumata definizione: dalla Pittura alla Materia at-tra-verso una sequenza di passaggi, ciascuno concluso, tutti interagenti; in breve, un ponte tra la Pittura e l’esperienza di Burri e Fontana.

Noi, di questi primi anni Duemila, non siamo certo campioni di stabilità e forieri di certezze e questo divenire, accelerato e senza sosta, viene subito percepito dall’estro artistico, che ne assorbe tutta la mobilità, lasciando intravedere apparente carattere di sperimentazione.

Anche il gruppo artistico composto dal critico Oliva aveva un nome con il medesimo prefisso, ma il significato è totalmente altro da quello da me attribuito a questo contesto: in quel caso, la parola TRANS, individuata compattezza e coesione in una realtà di gruppo, ne proiettava l’operatività oltre la barriera avanguardistica, nel senso che il ritorno della Pittura veniva auspicato, con gesto trasgressivo, come un sorpassamento delle avanguardie medesime, un andare, appunto, “oltre”.

Nel nostro caso, invece, la parola, a contesto allargato, mantiene e conserva tutto il concetto di mutamento, di passaggio da una dimensione ad un’altra, di dinamica andata-ritorno; accerta e sancisce la totale instabilità e temporaneità di una condizione, a cui può, rerpentinamente, subentrarne un’altra… tutte chiavi di lettura che reputo acquisite dalla cultura contemporanea, basata su una nuova etica: l’Etica della Trasformazione.

Ma osserviamo un po’ più da vicino questi tre protagonisti di un momento storicoartistico, a mio avviso, assolutamente felice e fecondo, meritevole di maggiore attenzione da parte delle Istituzioni, che però hanno fatto altre scelte, lasciando questa alle Gallerie d’Arte, indirettamente responsabilizzandole sul ruolo esclusivo che sarebbero state chiamate a svolgere. L’Arte italiana poi, a differenza degli esempi europei e transoceanici, ha un magico potere, non riscontrato altrove: l’ascendenza classica, permanente alla base della formazione accademica, ha consentito singolari trapianti sul proprio tessuto millenario, storicamente consolidato (come quello dell’Espressionismo Astratto statunitense che, modello di riferimento per molti, è oggetto di frequenti innesti nella nostra cultura), dando così origine a visioni plurime e parallele, quanto mai suggestive e accattivanti.

È il caso di Magri, il primo, fra i tre, di cui si debba parlare come esponente dell’absolute painting : le sue opere mostrano una socievolezza di carattere che è propria anche all’autore; stabiliscono, infatti, con chi le osserva un’immediata comunicazione empatica, trasmettono familiarità, pare che le conosciamo da una vita, esattamente come conosciamo Boccioni o Pollock, dai quali forse traggono qualcosa, ma — e qui sta il mistero dell’Arte Contemporanea italiana — cosa di preciso non è chiaro, perché, diversamente dai francesi, tedeschi o americani, le cui fonti ispirative sono trasparenti e i modelli scontati, le nostre espressioni artistiche sono come un puzzle, sminuzzabile in una miriade di componenti che richiedono assemblaggio; una volta ricomposto, esso risulta un unicum perfetto, tanto da rendere irriconoscibile il percorso all’indietro.

L’esultanza coloristica di Magri, la dimestichezza con le paste cromatiche, la visione piena e gioiosa della vita, le atmosfere “astrali” che riesce a ricreare e quasi a trasporre in pittura da piani visivi alla George Lucas, non ignorano affatto le leggi sull’equilibrio universale, di cui i colori si autoeleggono a messaggeri, sia quando si dispongono in ordine secondo assi simmetrici di composizione, sia quando rompono le simmetrie immettendo nella composizione medesima i principi dell’arbitrio e del capriccio; questi non sono mai fini a se stessi, ma obbediscono comunque ad uno schema preordinato, perché dietro quella carica vulcanica c’è una mente scientifica, che sa ben soppesare tutte le possibili valenze espressive. È una pittura che si esibisce da sola e che, con il necessario coraggio, fa appello ad una straordinaria forza interiore… Essa risponde, ma viene da lontano…

Ratto, invece, rappresenta il momento cruciale della contaminazione tra l’elemento pittorico e quello materiale e non è da credersi che questo fenomeno in qualche modo svilisca o riduca il millenario protagonismo della Pittura: se, infatti, ogni forma d’Arte si rapporta sempre al proprio tempo e — lo abbiamo già appurato — il nostro è il tempo delle trans-mutazioni, esempi come quello dell’artista di Torino possono solo corroborare l’Estetica della Contemporaneità, diversamente strutturata rispetto a tutte le estetiche che l’hanno preceduta, perché conformata sul principio primario di manipolazione della materia, lo stesso che suggerisce la plasmazione dello spazio attraverso organismi eterogenei (le installazioni), lo stesso però che, sul versante opposto, induce alla plasticizzazione del colore, come abbiamo visto, appunto, in Magri.

Ratto quindi cambia la rotta maestra, frammischiando alla pasta cromatica pura, direttamente estratta dal tubetto, elementi materiali, attraverso i quali prefigura una sorta di visione metropolitana astratta, i cui dettagli sono determinati dalle singole infiltrazioni dei “corpi estranei” alle maglie della tela di juta, impiegata come base operativa di questo sconfinato piano urbanistico. L’eloquio artistico procede per mini-frequenze architettoniche, ora serrate e chiuse ad occludere il vuoto, quasi un riesumato orror vacui, ora, al contrario, dipanate a spaziare vuoti, ma sempre concentrando i tratti a modo di scacchiera, come teatro aperto del vissuto umano.

E chi tutto questo è pronto ad archiviarlo è Antonio Saporito, anch’egli di Torino, che muove la propria istanza artistica (incredibile, ma vero) dalla figurazione degli anni Cinquanta del Novecento. Dato importantissimo, questo, perché avalla la dimostrazione, secondo Kandinskij, che l’Astrattismo trae la sua origine dalla Natura e non solo; egli dà prova del trasformismo di cui è capace l’Artista italiano, più di ogni altro, sensibile a variazioni climatiche, disponibile a nuove indagini, ricettivo di novità: avviato, da colleghi illustri e conclamati, ad una visione aniconica delle cose, per anni ritratte con lucida oggettività pittorica, finisce con l’elaborare una formula espressiva personale, fondata sull’adozione totale del metallo (prediletti l’acciaio e l’alluminio), che, sostituendosi alla tela, ne diventa al tempo stesso cortina di “controsupporto”… Lamine monocrome, sottili e delicate, sono il fondale tridimensionale nel quale scavare canali profondi in forme segmentate, che imprimono la memoria dei tagli di Fontana: rimasti celebri nella storia dell’Arte perché permettevano di tra-sgredire l’iconicità della tela, tra-passandola (e non senza rabbia) da parte a parte, cedono il passo, oggi, a trafori eleganti e armoniosi, che per certi versi ricordano l’architettura romanica, quando si affidava all’umana acutezza manuale la complessa opera decorativa e simbolica.

Saporito riscatta così i controversi ideologismi di cinquant’anni fà in una visione ritemprata, che induce a puntuale meditazione: focalizzata la propensione a manipolare la materia fisica, ne gestisce il controllo con piglio d’architetto, definendo parti piene e parti vuote e insieme organizzandole in un organismo completo, altamente seduttivo, ma che dietro quelle piacevoli fattezze nasconde uno schema concettuale robusto e inattaccabile.

Giulia Sillato

PIERRE PICOT & MARA LONNER @ JANCAR

J A N C A R G A L L E R Y
961 CHUNG KING ROAD
LOS ANGELES, CA 90012
TEL 213 625-2522
Hours: Wednesday – Saturday 12 – 5 PM (and by appointment)
www.jancargallery.com

JANCAR GALLERY is pleased to announce 2 concurrent solo exhibitions as well as an exibition of collaborations:

Curated by Tom Jancar and Maya Lujan

Opening reception for the artists: Saturday, May 22, from 6 – 9 PM

MAY 22- JUNE 12, 2010

PIERRE PICOT – New work + “collaborations with …”
Charles Garabedian
Tim Ebner
Paul Bob Velick
Francesco Siqueiros
Rebecca Mendez
etc.

MARA LONNER – “everything’s ok now”

Link:

http://www.facebook.com/reqs.php#!/event.php?eid=110951492282114